Jedes Werk erhält seinen eigenen Raum. Scrollen Sie durch die Sammlung wie durch einen stillen Ausstellungsrundgang.
Dieses Werk spielt mit der Idee des Individualismus und des Mutes zur Eigenständigkeit. Ein einzelner pinker Fisch schwimmt gegen den Strom, hebt sich farblich klar vom Rest ab und bricht mit der Ordnung der grünen Gruppe. Die symbolische Leichtigkeit des Fischmotivs kontrastiert mit der kraftvollen Bildstruktur – eine Einladung, sich selbst zu positionieren.
Farben in rhythmischem Wechsel treffen auf vertikale Raster, die durchbrochen werden. Ein Taktgeber innerer Prozesse – dynamisch, fast musikalisch. Intensive Grüntöne und leuchtendes Magenta vermitteln Energie, Wandel und inneren Aufbruch.
Ein visuelles Beben: Farbexplosionen durchdringen die strukturierte Fläche. Das Unbekannte drängt sich in den Vordergrund und fordert den kontrollierten Aufbau heraus. Martina Vogel-Baumann zeigt den Moment der Entscheidung – wenn Ordnung losgelassen wird. Ein ausdrucksstarkes Statement für Neuanfänge, Mut und das kreative Chaos.
Breite, gestische Bögen in Schwarz, Weiß und kräftigem Rot. Die Anmutung erinnert an geologische Schichten, an vulkanische Energien oder kosmische Bewegungen. Dieses Werk verankert sich im Urinstinkt: Erde, Feuer, Bewegung.
Sanfte Rottöne, violette Flächen und tiefe Weinfarben verdichten sich zu einer warmen, lebendigen Oberfläche. Rechteckige Strukturen treten einander gegenüber, berühren sich, verschieben sich – ein Bild über emotionale Balance.
Gelb, Orange, Rot – wie Flammen, die sich durch das Bild ziehen. In diesem Werk lodert die Energie eines Übergangs: nicht zerstörerisch, sondern reinigend. Alte Strukturen werden aufgebrochen, neue entstehen aus der Hitze.
Ein impulsiver Schlag aus Farbe – das Bild scheint zu atmen. Erdige und doch leuchtende Palette: Ocker, Olivgrün, sattes Rot. Vitalität und natürliche Kraft, Bodenhaftung ohne Stillstand.
Wie ein abstrahiertes Luftbild: grüne Felder, blaue Flächen, Strukturen wie Wasserläufe. Ein ruhiges, aber kraftvolles Werk über Wandel, Natur und Perspektive.
Dunkle, fast geschichtete Flächen durchziehen die Bildfläche. Tiefe, strukturierte Pinselbewegungen lassen an verwitterte Oberflächen denken. Ein Werk über Erinnerung, über das, was bleibt.
Blau dominiert diese Komposition – klar, ruhig, dennoch voller Tiefe. Die Struktur ist streng, fast architektonisch. Doch unter dieser Ordnung liegt Bewegung – eine stille Kraft, die nicht drängt.
Vertikale Linien in verschiedenen Blautönen pulsieren über einen dunklen Grund. Wie ein akustisches Muster, ein visuelles Echo. Es geht um Stille, um Präsenz im Unhörbaren – meditativ, fast spirituell.
Linien, Tupfer, rhythmische Farbspuren auf einem expressiven Untergrund. Farben springen über die Fläche – der Moment, wenn Licht sichtbar tanzt: Sonnenreflexe auf Wasser, Musik, die sich in Farbe verwandelt.
Kraftvolle Orangetöne, Gelb und Grün verbinden sich zu einem glühenden Bild. Struktur trifft Farbe in rhythmischer Wiederholung. Intensiv und geerdet zugleich – Energie und Naturverbundenheit.
Horizontale Reihen, rasterhaft angelegt, werden von bunten Linien durchkreuzt. Die monotone Fläche wird gezielt gestört. Ein Bild über Norm und Abweichung, über das, was Regeln hinterfragt – mit ironischem Unterton.
Schwarz-weiße Silhouetten wie geisterhafte Figuren. Der obere Bereich wirkt wie ein Schattenfries, unten löst sich die Fläche auf, wird diffus. Ein Bild über Vergänglichkeit, Erinnerung – und das Unsichtbare zwischen den Formen.
Kreise in Grün, Orange, Schwarz – tänzerisch, verspielt, überlagert. Die Bewegung ist lebendig und frei. Ein optimistisches Bild: Kindheit, Freude, Energie. Leichtigkeit, die mit Tiefe arbeitet.
Pink, Blau, Violett – blockhaft, geschichtet, verschoben. Eine Balance zwischen Farbe und Form, zwischen Fläche und Tiefe. Ein Werk über Gegensätze, über Struktur und Emotion – ruhig und energetisch zugleich.
Zwei leuchtend rote Kirschen hängen schwer an einem kraftvollen grünen Stiel, der sich elegant vor einem opulent goldenen Blattgold-Hintergrund abhebt. Doch was zunächst an klassische Stillebenmalerei erinnert, wird durch einen radikalen Bruch verfremdet: Der Kirschsaft tropft scheinbar aus dem Bild heraus, läuft über die Leinwandkante – und sogar über den reich verzierten Rahmen. Die perfekte Illusion wird durchbrochen, das "Bild verlässt das Bild". Martina Vogel-Baumann spielt hier mit klassischen Symbolen und barocken Anspielungen – und sprengt sie gleichzeitig: Die „verbotene Frucht“ tritt aus ihrem goldenen Podest heraus, rebelliert gegen ihre Inszenierung. Die scheinbar perfekte Form der Kirschen wird durch das „Auslaufen“ lebendig, unkontrollierbar, sinnlich. Blattgold trifft Pop-Provokation – barocke Ehrfurcht trifft auf ein augenzwinkerndes Augenzwinkern. Ein Werk über Genuss, Tabu, Überfluss – und die Frage, was geschieht, wenn Schönheit die Grenze verlässt.
Ein Werk wie ein innerer Waldspaziergang – voller kraftvoller Vertikalen, organischer Farbläufe und leuchtender Akzente. Zwischen tiefem Grün, leuchtendem Rot und Blau bewegen sich gestisch aufgetragene Flächen, deren Energie fast greifbar wird. Die grauen Horizontalen durchbrechen das Fließende wie gedankliche Einschnitte, als wären es Erinnerungen, Pausen oder Signale.\n\nIch setze hier auf Kontraste – nicht nur farblich, sondern auch kompositorisch. Die Bewegung strebt nach oben, die Ruhe liegt quer. Das Bild lebt vom rhythmischen Wechsel aus Dynamik und Blockade, aus Lichtspiel und Textur. Einzelne punktuelle Muster erinnern an organisches Zellgewebe oder Regen auf Glas – ein Spiel mit Nahsicht und Tiefe.\n\nEin Werk, das innere Landschaften sichtbar macht – zwischen Aufbruch, Wachstum und stiller Konzentration.
„Frequenzfeld" ist ein visuelles Spannungsfeld aus hunderten präzisen gezogenen Linien. In farblich angeordneten Zonen – von zartem Gelb über Grün und Blau bis Weiß – wirken die Linien wie kodierte Impulse, die durch ein energetisches Raster fließen. Der schwarze Hintergrund verleiht der Komposition Tiefe und bringt die Farben zum Leuchten. Trotz ihrer geometrischen Klarheit strahlt die Arbeit Bewegung aus – fast wie Schwingungen, die sich überlagern, verstärken, auflösen. Martina Vogel-Baumann schafft hier ein abstraktes Landschaftsbild der anderen Art: nicht aus Flächen, sondern aus Frequenzen. Das Werk lädt ein zum Eintauchen, zum Meditieren – und zum Entdecken: Denn keine Linie gleicht der anderen, kein Raum bleibt unberührt. Es ist ein Spiel zwischen Ordnung und Chaos, Klarheit und Überlagerung.
„Kaltfront" ist ein Werk voller Dynamik, Energie und atmosphärischer Dichte. Die großflächigen, kreisenden Pinselbewegungen erinnern an meteorologische Phänomene – an Windwirbel, Wetterumschwung und die Konvergenz natürlicher Kräfte. Dabei transportiert das Bild nicht nur visuelle Bewegung, sondern auch emotionale Spannung. Die kühlen Blau-, Grün- und Weißtöne dominieren die Komposition und vermitteln ein Gefühl von Frische, Umbruch und Distanz. Gleichzeitig laden kleine Farbakzente wie das leuchtende Gelb im unteren Bildbereich zu einer genaueren Auseinandersetzung mit Licht, Tiefe und Transformation ein. „Kaltfront" steht exemplarisch für das Zusammenspiel von Natur, innerer Bewegung und gestischer Freiheit, wie es für die Arbeiten von Martina Vogel-Baumann charakteristisch ist.
Das Werk „Rosa Rosa" spielt mit zarten und kräftigen Nuancen von Rosa, unterbrochen durch strukturierte Linien und raue Texturen in Dunkelrot, Weiß und Schwarz. In mehreren vertikalen und horizontalen Segmenten organisiert, wirkt das Bild wie ein visuelles Gewebe aus Erinnerungen und Emotionen. Die malerischen Flächen kontrastieren mit linearen Elementen, die fast wie Nähte oder Grenzen zwischen inneren Zuständen wirken. Die Gesamtkomposition lässt viel Raum für Interpretation – ein Werk, das sowohl Ruhe als auch Spannung in sich trägt. Mit „Rosa Rosa" bringt MVB ihre Faszination für farbliche Zwischentöne und emotionale Strukturen eindrucksvoll zum Ausdruck. Das Werk steht exemplarisch für ihre Suche nach einem malerischen Gleichgewicht zwischen Zartheit und Kontrast. In ihrer charakteristischen Kombination aus Rakeltechnik, Flächenmalerei und intuitivem Farbgefühl erschafft MVB auch hier einen Resonanzraum für das persönliche Erleben – ruhig, kraftvoll und offen zugleich.
„Zwischen den Welten“ zeigt eine nächtliche Szenerie, die zwischen abstrakter Landschaft und gegenständlicher Andeutung schwebt. Tiefe Blau- und Schwarztöne bestimmen die Komposition und verleihen dem Werk eine besondere Ruhe und Tiefe. Während der obere Bildbereich von fließenden, horizontalen Pinselbewegungen geprägt ist, wirkt die untere Hälfte rau, verdichtet und beinahe erdverbunden. Im Zentrum erscheint schemenhaft die Silhouette eines kleinen Bootes. Es hebt sich nur zurückhaltend aus der dunklen Umgebung hervor und scheint zwischen Wasser, Himmel und einer unbestimmten Landschaft zu treiben. Gerade diese reduzierte Darstellung eröffnet einen weiten Interpretationsraum und lässt offen, ob das Boot auf einer Reise ist, innehält oder einen unbekannten Ort ansteuert. Das Werk vermittelt eine Atmosphäre von Stille, Einsamkeit und innerer Bewegung. Es erzählt von Übergängen, von Unsicherheit und zugleich von der Bereitschaft, sich dem Unbekannten zu stellen. So entsteht ein poetisches Spannungsfeld zwischen Dunkelheit und Hoffnung, Orientierungslosigkeit und Aufbruch.
„Impulsgeflecht“ ist eine vielschichtige Komposition aus fließenden Farbbewegungen, Spritzern und sich überlagernden Linien. Rot, Blau, Schwarz und Weiß verdichten sich auf der unbehandelten Baumwolle zu einem lebendigen Netzwerk, das sich über die gesamte Bildfläche ausbreitet. Die Spritz- und Fließtechnik verbindet bewusste Gestaltung mit dem Moment des Zufalls. Während einige Linien klar geführt erscheinen, entwickeln andere durch das Einziehen der Farbe in das Gewebe eine weiche, beinahe organische Wirkung. So entstehen Tiefe, Rhythmus und eine permanente Bewegung zwischen den einzelnen Farbebenen. Das Werk erinnert an Gedanken, Signale und Beziehungen, die sich kreuzen, überlagern und neu formieren. Es bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Ordnung und Chaos und macht sichtbar, wie aus vielen einzelnen Impulsen ein komplexes, miteinander verbundenes Ganzes entsteht.
Das Werk verbindet expressive Farbigkeit mit einem überraschend klaren Zentrum. Ein traditioneller Goldrahmen wird von leuchtenden Farbspuren, Überlagerungen und Spritzern erfasst und teilweise selbst zum Bestandteil der Malerei. Die Grenzen zwischen Bildfläche und Rahmen lösen sich auf – Farbe überschreitet bewusst die klassische Ordnung. Im Mittelpunkt stehen drei originale Miniaturfläschchen von Coca-Cola. Ihre ruhige, nahezu symmetrische Präsentation bildet einen starken Gegenpol zur explosiven Umgebung. Das weltweit bekannte Konsumobjekt wird aus seinem alltäglichen Zusammenhang gelöst und wie ein kostbares Exponat inszeniert. So entsteht ein spielerisches Spannungsfeld zwischen Kunst und Konsum, Einzigartigkeit und Massenkultur, Tradition und Pop. „Pop im Rahmen“ hinterfragt mit einem Augenzwinkern, was wir als wertvoll, ikonisch oder ausstellungswürdig betrachten – und macht gerade aus diesem Gegensatz seine besondere Energie.